Percepción del arte y la música / Teoría de la Gestalt

Unidad 2 "Descubrir el código musical" 
Contenido conceptual: 
3.2 "La Música y su relación con otras disciplinas: PSICOLOGÍA"

Percepción del 

ARTE y la MÚSICA 

 Teoría de la Gestalt

 

La teoría de la Gestalt (Estructura) es una corriente psicológica que da comprensión  y significados al estudio de la percepción del arte y la música.

Según esta teoría nuestra mente tiende a organizar la información visual y musical de manera coherente y significativa siguiendo principios específicos que nos ayudan a interpretar y entender lo que vemos y oímos.

En el contexto del arte y la música estas ideas son fundamentales para comprender como los artistas juegan con la percepción del espectador y crean obras que comunican sentimientos de manera estructurada.

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LEYES de la GESTALT aplicadas al ARTE
Las leyes de la Gestalt son una serie de normas que explican la percepción a partir de los estímulos.

1
LEY del CIERRE
Esta ley nos dice que nuestra mente tiende a cerrar las formas incompletas para percibirlas como figuras completas y reconocibles.
En el arte y la música, los artistas pueden utilizar este principio para sugerir formas, objetos y música sin necesidad de representar todos sus detalles. 

Por ejemplo; en una canción percibir el ritmo completo aunque falten algunas notas, sonidos o instrumentos.

2
LEY de la PROXIMIDAD
Según esta ley, los elementos visuales y musicales que están cerca uno del otro tienden a percibirse como un grupo o una unidad.
En el arte, esto se traduce en la agrupación de elementos similares o relacionados para crear patrones visuales cohesivos.

Por ejemplo, un músico puede ejecutar sonidos similares para representar una ambiente uniforme.

3
LEY de la SIMPLICIDAD
Esta ley nos dice que nuestra mente tiende a percibir las formas más simples y organizadas antes que las complejas y caóticas.
En el arte y la música los artistas pueden utilizar la simplicidad para comunicar ideas de manera clara y directa.

Por ejemplo, un músico minimalista utiliza ritmos simples y melodías básicas para transmitir un mensaje o una emoción.

4
LEY de la SEMEJANZA
Según esta ley, los elementos visuales que son similares entre sí tienden a agruparse y percibirse como parte de un mismo conjunto.
En el arte y la música esto se traduce en la  repetición de formas, colores, ritmos, melodías o patrones para crear una sensación de cohesión y armonía en la obra.

Por ejemplo, un músico puede utilizar el mismo instrumento en diferentes partes de una canción para unificar la composición.

5
LEY de la CONTINUIDAD
Esta ley nos dice que nuestra mente, tiende a percibir las formas y líneas continuas en lugar de interrumpidas e fragmentadas.
En el arte y la música los artistas pueden utilizar la continuidad para dirigir la mirada y oído del espectador a lo largo de la obra y crear una sensación de fluidez y movimiento.

Por ejemplo, una melodía o un ritmo que atraviesa una composición puede dirigir la atención hacia un climax musical, creando una sensación de dirección. 

6.
LEY de la FIGURA y el FONDO.
Esta ley nos dice que nuestra mente tiende a percibir las formas como figuras independientes del fondo que la rodea.
En el arte de los artistas pueden jugar con esta relación entre figura y fondo para crear ilusiones visuales y musicales interesantes y provocativas.

Por ejemplo, una melodía puede destacarse del fondo utilizando contrastes musicales con instrumentos, ritmos o armonías.

DIFERENCIACIÓN en el ARTE

Existe también el principio de la diferenciación que permite crear elementos que contrasten entre sí:

1
CONTRASTE de VALOR

El contraste de valor se refiere a la diferencia entre áreas claras y oscuras en una obra de arte.

 Los artistas puede utilizar este contraste para crear énfasis y destacar ciertos elementos dentro de la composición:

Por ejemplo, un músico puede utilizar fondo musical de tonos graves para resaltar una melodía o al revés, un fondo agudo con una melodía grave.

2
CONTRASTE de COLOR

El contraste de color se refiere a la diferencia entre tonos saturación o temperatura del color de una obra.

Los artistas pueden utilizar este contraste para crear impacto visual y transmitir emociones específicas.

Por ejemplo, el uso de instrumentos contrastantes como una guitarra eléctrica con un oboe puede generar un contraste vibrante y dinámico en una canción.

3
CONTRASTE de TEXTURA

El contraste de textura se refiere la diferencia en la calidad táctil o visual de la superficie dentro de una obra de arte.

Los artistas pueden utilizar este contraste para agregar interés visual y profundidad a la composición.

Por ejemplo, en música, la textura es la armonía, por lo que se puede combinar una textura acústica con una digital que son contrastantes.

RELACIÓN FIGURA y FONDO

Para dar categorización a la percepción existe el principio de Figura y Fondo 

1
FIGURA y FONDO SIMPLE

En una relación figura-fondo simple, la figura se destaca claramente del fondo y es fácilmente identificable.

Los artistas pueden utilizar este tipo de relación para comunicar mensajes o narrativas de manera directa y sin ambigüedades.

Por ejemplo,  un instrumento melódico, sobre un fondo creado con uno o dos instrumentos melódicos. 

2
FIGURA y FONDO COMPLEJO

En una relación figura-fondo compleja, la distinción entre la figura y el fondo es menos clara y puede requerir una interpretación más detallada por parte del espectador.

Los artistas pueden utilizar este tipo de relación para  crear obras que inviten a la reflexión y a la exploración visual.

Por ejemplo, La interpretación de una gran agrupación instrumental como una Banda, Ensamble u Orquesta Sinfónica.

CONCLUSIÓN
En resumen la teoría de la Gestalt ofrece una perspectiva fascinante sobre la percepción visual en el arte el comprender las leyes y principios de la Gestalt los artistas pueden caer obras que aprovechan la forma en que nuestro cerebro organiza e interpreta la información visual y musical creando así experiencias estéticas memorables y significativas para el espectador.